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El Sonido de la Ballena

audiovisual

Por: Federico Gómez Palacio

“El equipo de Clap Studios fue vital para que nuestra película se volviera cine, sobre todo con un trabajo tan riguroso como el que ellos hicieron”, asegura Catalina Arroyave, directora de Los días de la ballena, uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes del año en Medellín, y del que ya hemos hablado en nuestro blog. En esta nueva entrada vamos a poner el foco en un aspecto específico, fundamental, como dice la directora, para consolidar la identidad de la película: el sonido.

Daniel Vásquez, diseñador de sonido y mezclador, y Sebastián Alzáte, también diseñador de sonido de Los días de la ballena; ambos parte del equipo de Clap Studios, empresa integrante del Centro Audiovisual Medellín, nos cuentan cómo abordaron este aspecto tan importante.

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Daniel Vásquez y Sebastián Alzáte de Clap Studios

 

Buscando el tono y la estética sonora

Cuenta Daniel que el proceso creativo para llegar al sonido comenzó mucho antes del rodaje, desde que la película estaba solamente en un guion.  “Desde esa etapa ya había un pequeño acercamiento en texto y palabras muy vagas. Partimos del guion, de conversar, de hacer un trabajo juicioso y coherente con el sonidista, para que en el rodaje se capturara lo que necesitábamos y tuviéramos los insumos después en postproducción de la manera que los íbamos a querer. En preproducción hubo un acercamiento mucho más preciso, donde nos reunimos dirección, asistencia de dirección, sonidista y nosotros como postproductores y diseñadores de sonido para pensar a qué suena cada lugar, qué elementos son importantes y cuál va a ser el tono y la estética del sonido de la película”.

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Catalina Arroyave, directora de Los días de la ballena

 

En esas conversaciones y reuniones de equipo se definió una parte muy importante de la identidad sonora que, aunque tuvo momentos naturales de depuración, ya respondía a una intención clara, definida conjuntamente. “La película está llena de sutilezas, que es un poco de nuestro estilo también. Entregarle mucho a las películas; muchos elementos pero sutiles, en su punto, sin exagerarse. Y creo que se logró el objetivo”, continúa Daniel.

Sutileza y realismo

Tanto Daniel como Sebastián están de acuerdo que la historia como tal orientó el diseño de sonido. Daniel, por su parte, cuenta que “la estética visual nos llevó a abordar la estética sonora, por eso no está llena de cosas sonando o con mucha densidad de sonido, sino que son pocos al mismo tiempo. Vamos soltando una pinceladitas. Y si analizas algunas escenas del barrio cuando Cris está por ahí caminando, no está lleno de gritos, gente o actividad pasando, pero con un silbido, una moto o un carro pasando damos esa sensación del movimiento, de la actividad alrededor. Cada sonido en su lugar, un sonido va llevando al otro”.

Sebastián, por otro lado, habla de otro aspecto sutil que el sonido ayudó a reforzar. “Aparte de que la imagen nos dicta mucho cómo va a ser el diseño sonoro, la historia como tal también lo hace. La peli toca un tema que pasa mucho en Medellín y son las fronteras invisibles o estos combos que manejan sectores o barrios completos, pero lo hacen de una manera muy sutil, nunca nada es explícito; salvo en pocos momentos donde sí vemos a este tipo de personajes. Creo que es algo que los que vivimos en Medellín nos pasa cada rato, algo que no vemos pero que sabemos que está ahí. Desde el sonido se trata de manejar también así, con esas sutilezas, pero siempre está una presencia por ahí, de una moto pasando o algún ambiente raro; algo que nos está haciendo sentir ese tema de que siempre hay algo vigilante o medio peligroso que puede pasar en cualquier momento”.

Así mismo, el sonido fue un recurso fundamental para situar al espectador en los diferentes espacios. Además de que cada lugar tiene una identidad clara a nivel sonoro, según Daniel hubo otra cosa clave como recurso narrativo: “En la película no hay muchos planos generales, entonces dependíamos del sonido para crear esos entornos, para establecer las locaciones. Y si lo analizas, el sonido es lo que lo da”.

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Para lograr este objetivo, la mezcla entre sonido directo y foley fue muy importante. “Queríamos que el artista foley tuviera cubrimiento de detalle”, explica Daniel. “Y cubrimos 95% de la película porque también usamos mucho el sonido directo. Soy muy partidario, en este tipo de cine y la forma en que se cuentan estas historias, de usar el sonido directo; así lo reforcemos con foley, así tenga dos o tres capas adicionales de efectos, el sonido directo se vuelve ese elemento que me da verosimilitud al resto de sonidos que podrían ser muy inertes o artificiales en otro contexto”.

Catalina refuerza la importancia que tuvo el diseño de sonido: “Me parece que hicimos un trabajo sonoro muy detallado, la película tiene muchas capas. Cada espacio también tiene una construcción sonora especial. Y creo que esas cosas a pesar de ser imperceptibles para la mayoría de espectadores, para nosotros fueron importantes porque logramos construir una sonoridad que es específica de nuestra película. Creo que el diseño sonoro y la mezcla fueron hermosos”.

La Medellín de la Ballena

Parte de la sonoridad específica de Los días de la ballena de la que habla Catalina es haber encontrado su propia versión de la ciudad. Esto ha generado una conexión especial con la gente precisamente por eso, porque es un testimonio, nos representa. “La película suena a Medellín, pero a una Medellín específica, no a la misma de La Mujer del Animal o Matar a Jesús o Los Nadie. es una sonoridad creada para La ballena”, reflexiona Catalina.

Sebastián cuenta que “los sonidos se construyeron en un 70 – 80% con ambientes de Medellín, tanto del directo que capturó el sonidista como de nuestras propias librerías de ambientes propios de Medellín. Entonces creo que dentro de este tema que cada locación tiene su sonido particular, todos los sonidos que estamos escuchando suenan mucho a lo que suena la ciudad en realidad. Es un buen plan ir a escuchar la ciudad en cine y ver cine bien hecho, por todos los lados”.

La música es otro elemento que refuerza la identidad de la película, otro punto de conexión emocional que, con los espectadores locales establece un código, una complicidad; y con las personas de otros lugares funciona a modo de carta de presentación de a qué suena Medellín. Incorporar esa música al diseño sonoro, fue otro de los desafíos. “La decisión de la música fue de Cata, una decisión desde dirección”, comenta Daniel. “Creo que como estuvieron tan bien escogidas las canciones, nos hacía de alguna manera el trabajo fácil a nosotros de incorporarlos, porque se hacían sentir”.

Acá pueden escuchar todas las canciones elegidas para hacer parte de Los días de la ballena.

Una película con buena onda

Como colofón, Daniel concluye que Los días de la ballena es una película en la que, desde el primer día se quisieron hacer las cosas bien. “El hecho de involucrar las cabezas de sonido desde preproducción habla muy bien de la intención y del proceso. Y creo que ese ha sido el éxito, el querer hacer las cosas con respeto, con la parte humana y querer hacerlas con humildad también. Eso se ve también en la calle con la buena onda que genera la película. No deja de tocar temas serios, no deja tener críticas a varias cosas, pero por encima están las personas. Esta película es para generar conexión con la gente. Muchas veces no encajamos en lo que el mundo nos trata de encajar, pero ahí tenemos nuestro espacio”, concluye.

En el Centro Audiovisual Medellín nos sentimos orgullosos que nuestros integrantes hagan parte de estos grandes proyectos que escriben la historia audiovisual de la ciudad. Por esto, los invitamos a seguir de cerca el trabajo de Clap Studios, que cumple 8 años de trabajo dedicado y riguroso y, por supuesto, a todo el equipo de Los días de la ballena.

¿Se está haciendo bien la tarea?

Gabriel perez
Gabriel Jaime Pérez – Gerente del Centro Audiovisual Medellín

Una reflexión sobre la dinámica de estímulos económicos para la cultura

 

Por: Gabriel Jaime Pérez

Es una realidad que muchos eventos y proyectos culturales dependen en gran medida de apoyos económicos generados por el sector público. Y también es una realidad que, tanto en Medellín como en el resto del país, estamos inmersos en una dinámica que, sin querer queriendo, no permite que este modelo de estímulos posibilite la creación de proyectos culturales sostenibles.

Una cadena de hechos sustentan esta afirmación. Hablando concretamente de los eventos, es sencillamente una cuestión de tiempos: las convocatorias se realizan a comienzos del año, los premiados se publican a mediados y todos los ganadores deben ejecutar los recursos entregados en un último trimestre insufrible, donde se aglutinan todos los eventos. La agenda toda junta a final de año disipa y satura al público que no sabe realmente qué quiere ver. Se hace muchísimo más compleja la construcción de audiencias, tan necesaria para la sostenibilidad en el tiempo y el crecimiento y posicionamiento de los eventos.

La cantidad de proyectos culturales que están un año y al otro mueren es increíble y eso son recursos que se pierden. Y es un problema técnico del país. Mientras sigamos teniendo el problema de vigencia de año fiscal para ejecutar proyectos culturales, no hay empresa cultural que se mantenga.

El cierre fiscal en año imposibilita hacer una mejor gestión de los recursos. Los desembolsos suelen dilatarse, casi hasta el momento de la ejecución; con lo cual se perderá en gestión de precios para contratar porque todo se hará más caro por un tema de oferta y demanda, ya que todo el talento está ocupado en el mismo periodo (último trimestre). Además, como los recursos entran tarde, se entorpece la gestión promocional y esto impacta directamente en la convocatoria de público. Esto es algo que padecemos la mayoría de proyectos y tenemos el aprendizaje para contratar un mejor aparato de comunicaciones para el siguiente evento… Pero, ¿habrá siguiente evento?

Hay quienes pueden ganar estímulos o gestionar recursos de hasta 200 millones de pesos. ¿No creen que sería mucho más interesante plantear la distribución de esos recursos en un lapso de, por ejemplo, cuatro años (lo que dura una administración)? A uno como empresario cultural le conviene más tener 50 “asegurados” al inicio de cada año, que tener 200 millones de pesos -de pronto- dos semanas antes del evento. Además, los que somos productores sabemos que con recurso mínimo asegurado es más fácil encontrar otros patrocinadores. A mí me interesaría más decirle al Éxito o a cualquier otro patrocinador potencial, que entren a patrocinar este evento que ya cuenta con el 40% del presupuesto, a decirle que serán los primeros en apoyar la nueva versión del evento de este año. Más fácil: Nadie va al restaurante que está vacío. Pero al que tiene 10 clientes…

Así mismo, con un presupuesto asegurado por un periódo de tiempo más extenso se puede asegurar el cumplimiento de compromisos a largo plazo, con participantes, colaboradores y otros proveedores. Así se construyen alianzas y relaciones sólidas en el tiempo, con un beneficio mutuo.

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Lo más difícil de conseguir es el recurso inicial. Pero una vez conseguido, es más sencillo llegar a conseguir apoyos del sector privado. Es la única manera de conseguir más fondos y crecer, generando empleo de calidad y eventos que crezcan en el tiempo, en vez de una proliferación de eventos muy pequeños que se hacen a punta de favores y no de movilización de recursos. El exceso de democratización de los eventos culturales está castigándonos sin querer.

Considero que las administraciones no deberían tener reparos en premiar aquellos eventos que se hagan más grandes porque estos, además de generar proyección para la ciudad, se vuelven generadores de empleo digno y sostenibilidad en los cuatro años que dura cada administración. Está bien tener unos 5 o 10 eventos con mayores recursos y el resto con un presupuesto un poco menor e ir observando cuáles van prosperando.

 

Todo es cuestión de voluntad política

Soy consciente que, en el caso de Medellín, la administración está prácticamente en su ocaso y sé que hay gente muy buena que lo han tratado de hacer de la mejor manera. Pero si hay algo positivo para dejarle a la siguiente administración sería pensarle a ese tema. Si hay que sentar a la gente del Concejo, pues lo hacemos. Si hay que pasar un proyecto, lo hacemos. Todo se logra con voluntad y gestión. Y, si es el caso, que se creen entidades descentralizadas como lo aplica ahora mismo el Fondo de Desarrollo Cinematográfico – FDC. Creo yo, que sería la solución ideal.

Hoy más que nunca es el momento de poner estos temas sobre la mesa,  ahora que este Gobierno Nacional está hablando tanto del tema de Economía Naranja. Lo importante es comprender que todo en la vida, sobre todo en lo público, siempre es voluntad política. Si uno genera masa crítica para plantear un proyecto así sea de cara a la siguiente administración, ahí sí realmente va ganar la industria cultural y creativa.

FICME amplia convocatoria para videoclips

FICME

Hay buenas noticias para todos aquellos que quieren enviar su videoclip a la séptima versión del Festival Internacional de Cortometrajes de Medellín – FICME, ya que la organización, a pedido del público, amplió la convocatoria hasta el lunes 30 de septiembre a las 5:00 p.m. COT.

Las personas interesadas en presentar sus videoclips pueden conocer las bases de participación y toda la información sobre la inscripción haciendo clic aquí. Es importante aclarar que esta categoría está abierta únicamente para proyectos nacionales.

Por segunda edición consecutiva, FICME abre la categoría VIDEOCLIP para conocer cómo se ven las grandes canciones de nuestro país. Los seleccionados para ser parte de la programación de FICME VII serán anunciados el próximo 11 de octubre.

Del 6 al 8 de noviembre, los invitamos a disfrutar la programación de FICME, un evento organizado por el Centro Audiovisual Medellín y la Fundación EPM.

Perdidos, poderosos, valientes

Carolina arroyave

Entrevista a Catalina Arroyave, directora los Los días de la ballena

Por: Federico Carlos Gómez

Bajo el lema #SerValienteEsChimba, el pasado 5 de septiembre se estrenó en cine Los días de la ballena, una película escrita y dirigida por Catalina Arroyave, producida por Rara Colectivo Audiovisual y coproducida por MadLove Group (empresa integrante del CAM), que cuenta la historia de Cristina y Simón, dos amigos grafiteros y muralistas que recorren y rayan las calles de Medellín. Un testimonio potente y emotivo sobre ser joven en nuestra ciudad.

Si bien no es una película autobiográfica, Catalina cuenta que apeló a su propia nostalgia y que el viaje emocional de los personajes tiene relación con el suyo propio. “Decidí escribirla porque durante años, yo así como estos personajes, recorrí y caminé muchísimo Medellín, hablé sobre la ciudad, perdí el tiempo, conversé sobre nada y me dediqué también a entender el lugar del que venía, que es un poco lo que hacen los personajes, con esa sensación de sentirse un poco perdidos, pero también sentirse poderosos. Eso es lo que sí se parece a mi propia emoción”.

“No encontrar tanto un lugar en el mundo, sentirse un poco abandonado, enamorarse de los amigos, eso todo viene de una experiencia mía, de la vida”, continúa Catalina. 

“Y habla de lo amoroso y afectivo, pero también del desasosiego que llega a producir nuestra ciudad, no solamente por lo violenta y por lo restrictiva de las libertades individuales, sino también por lo conservadora. En la película hay distintos límites, no solamente las fronteras que hay entre los barrios o las fronteras de clase, sino también fronteras más pequeñas como tener que desafiar a tu propia familia para poder encontrarte con tu ciudad, para poder salir a la calle”, concluye.

El universo de Los días de la ballena, según recuerda su directora, tiene su origen en la construcción de la relación entre Cristina (Laura Tobón) y Simón (David Escallón), sus protagonistas, quienes desafían a una banda criminal cuando deciden pintar sobre una amenaza escrita en una pared el mural de una ballena. “Alrededor de ellos gira todo. Y creo que eso hace que nuestra película sea de alguna forma diferente, porque a pesar que estamos hablando de la calle, el graffiti, la noche y la violencia, el foco está puesto en la intimidad de estos dos personajes”.

La poesía del muro

Los días de la ballena se suma al fuerte movimiento audiovisual que se está gestando en Medellín, con cortometrajes y largos de abanderados como Laura Mora, Daniela Abad, Juan Sebastián Mesa, Simón Mesa, entre otros, que presentan miradas profundas de nuestra ciudad y que, además de retratar la realidad, dan un paso más allá. Nos hacen reflexionar y nos dejan historias y personajes entrañables. 

“No hablar de una Medellín que se detiene en lo sórdido y se queda ahí, sino que puede trascenderlo a través de, justamente, esos elementos poéticos”, reflexiona Catalina.

Carolina arroyave

A medida que va pasando Los días de la ballena, el espectador encuentra guiños, pequeños elementos simbólicos en los diálogos, el sonido y la imagen, que conforman un universo complejo, construido a partir de detalles, en el que es imposible no sentirse identificado de algún modo. “El costado poético de la película para mí es muy importante porque creo que más que hablar de la realidad, a mí me interesaba hablar del mundo interior de dos personas. Y por eso la ballena es una metáfora de lo que ellos comienzan a sentir, de su poder, de su capacidad, de su deseo, que empieza a morir al chocarse contra la realidad. Y que, finalmente, de alguna manera revive en el muro que ellos pintan”.

El muro también tiene una carga simbólica importante. Dice Catalina: “Para mí se volvió un recurso narrativo porque el muro me permitía contar distintas capas del conflicto de un ciudad, de una manera concreta, un gesto visual que se superpone al otro. Ese fue el recurso que yo encontré para contar las tensiones que están puestas en la película. Siempre quise que la película fuera una experiencia estética; aprovechar el recurso de lo visual y de lo sonoro, para llegar a un resultado que realmente fuera cinematográfico. El graffiti y el mural, de alguna manera, reunían todos los elementos de los que yo quería hablar: desobedecer, estar en la calle, ser cómplice de tus amigos y sentir que ellos son los que de alguna forma te protegen del mundo, porque además así funcionan los crews del graffiti”.

¿A qué suena La ballena?

La película cuenta con un desarrollo sonoro hecho al detalle, con filigrana, desde el diseño de sonido realizado por Clap Studios, empresa integrante de nuestro ecosistema, hasta la música incidental y las canciones elegidas para terminar de cerrar el imaginario. “El proceso con Clap fue uno de los más enriquecedores para la película”, cuenta Catalina. “Me di cuenta de que finalmente se siente una película con el sonido, sobre todo con un proceso tan riguroso como el que hizo Clap Studios. Hicimos un trabajo sonoro muy detallado, la película tiene muchas capas. Cada espacio, por ejemplo, tiene una construcción sonora especial. Todo el equipo fue vital para que La ballena se volviera cine”.

Carolina arroyave

La música es otra protagonista; un puente entre la historia y nuestra memoria emotiva. “Siempre quise aprovechar la oportunidad de hacer una película también para hablar de ese universo sonoro que hay en la ciudad en ese momento. El graffiti está emparentado necesariamente con el hip-hop, pero también con la salsa, pero también con el reguetón. Y yo estaba hablando sobre crecer y uno no crece sin música”. 

“A mí me emociona cuando escucho canciones en películas y me recuerdan momentos que yo he vivido, entonces eso era muy clave para mí al momento de tratar de conectar con los espectadores. Llevarlos a momentos y lugares a través del lenguaje tan potente que es la música”.

El resultado: una banda sonora compuesta por varios himnos de nuestra ciudad que también son crónicas de quiénes somos, conformada (más o menos en un 80%) por artistas locales de varios géneros- Justo al centro de nuestra identidad. Acá pueden escuchar y disfrutar todas las canciones,.

Un extenso recorrido de festivales y premios preceden el camino de Los días de la ballena a cartelera. Entre otros, la película ha hecho parte de la selección del FICCI – Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, el SXSW International Film Festival en Austin, Texas, el BAFICI – Buenos Aires International Festival of Independent Cinema, el Festival Internacional de Cine Independiente de Bogotá – IndieBo, el Melbourne International Film Festival, el Zurich Film Festival y la 43a Muestra Internacional de Cine de Sao Paulo.

Desde el Centro Audiovisual Medellín, les extendemos la invitación a ver Los días de la ballena porque es un retrato de quiénes somos, de nuestra Medellín. Como ellos dicen, ¡hacer cine es de valientes! Y acompañarlo también es un gesto poderoso de unión y de crecimiento para nuestra industria audiovisual.

Pueden ver las salas y horarios de proyección a través del facebook cam Facebook y el instagram cam Instagram de la película. 

La importancia del entrenamiento del elenco en los proyectos cinematográficos

entrenamiento cinematográfico

Por: Jaime Mejía

Director de casting y entrenador de actores. Realizó estudios de Producción Audiovisual y Psicología. Creador del método creativo del actor. Integrante del Coworking del Centro Audiovisual Medellín con la membresía Virtual CAM

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Int / Casa del director / Día 

El director y su amigo el entrenador de actores se encuentran sentados en la sala.

DIRECTOR:

¿Por qué mi película no gusta?

ENTRENADOR DE ACTORES:

(mirándolo fijamente a los ojos)

Te aseguro que tiene mucho que ver con la actuación.


manejo camaras

Si bien es cierto que una producción es el resultado del trabajo de muchas áreas como la fotografía, el sonido, el arte, el maquillaje, el vestuario, etcétera, LA ACTUACIÓN es la que logra que el espectador se enganche con la historia. El elenco es parte fundamental de cualquier pieza audiovisual de cine o televisión.

En la historia del cine hemos visto grandes guiones destrozados por malas actuaciones y también lo contrario: grandes actores que logran sacar bien libradas historias flojas.

Generalmente (se los digo como entrenador de actores) el sentimiento de rechazo que hace que alguien se salga de una sala de cine o la sensación de que no te gustó la película y no sabes muy bien por qué están asociados y son inducidos por malas actuaciones.

Para entender mejor el tema debemos tener en cuenta que la actuación depende de métodos, y métodos hay muchos. Algunos actores terminan confundidos, mezclándolo todo y sin saber qué hacer con tanto y con nada. No alcanzan a entender que existen métodos opuestos entre sí; que hay los que se ocupan sólo de la voz de actor, del cuerpo o del proceso creativo. Podría suceder, además, que la técnica utilizada por el intérprete no funcione muy bien para el medio audiovisual (teniendo en cuenta que muchas de estos sistemas están pensados para el trabajo dentro del teatro).

Algunos actores terminan confundidos, mezclándolo todo y sin saber qué hacer con tanto y con nada.

Además, los métodos de actuación sólo son relevantes en un contexto determinado y un momento específico, esto quiere decir que para su uso dentro del medio audiovisual no solo basta entender de actuación, sino también comprender el lenguaje cinematográfico, ya que en el cine el estilo de actuación o el tipo de actor dependen del universo de la película y es fundamental no cometer desaciertos en estas decisiones, por ejemplo eligiendo “no actores” cuando la producción necesita actores formados y un buen entrenamiento del elenco.

arte

En muchos países el cine ganó la admiración de sus espectadores por la calidad de la actuación porque existía una fuerte alianza entre los directores y los entrenadores de actores especializados en cine, que aportaron al mejoramiento de la interpretación a partir de sus técnicas, tal fue el caso de Lee Strasberg y Elia Cazan. Solo dándole continuidad a estos procesos conjuntos se puede dar un salto de calidad en industrias en desarrollo como la nuestra.

En nuestro cine (nacional y regional) en algunas ocasiones se nota la falta de preparación en este aspecto tan importante. Por esta razón el entrenamiento se convierte en algo fundamental, tanto en rodajes con actores formados como con “no actores”. De no realizarlo, se asume un riesgo. No se trata de una cuestión de confiar o no confiar en los actores, es cuestión de que el trabajo con ellos no sea un juego de azar. Por ello quiero resaltar la importancia de que en la pre-producción se incluya, además del trabajo de guion, el plan de rodaje o locaciones, la preparación de los actores, que consiste en cómo abordan la actuación a través de un método concreto.

Esto es clave para que el actor entienda el personaje, el contexto de la obra y todo lo que concierne al tema de la interpretación para cine.

Si no empezamos a considerar la problemática de la ausencia de métodos de actuación en nuestro cine, lo único que quedará en la última escena de muchas producciones venideras será:


Ext / Parque / Día

El director, sentado en una silla suspirando, por su mejilla baja lentamente  una lágrima, y mirando en el horizonte siente cómo su gran idea de película se desperdicia. De fondo suena la melodía de Schindler’s List.

Fundido a negro.


 

El Muñequero: arte y técnica al servicio de las producciones

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La caracterización es un proceso complejo y profundo, donde el arte y la técnica se fusionan en igual medida para crear el aspecto de personajes que, además de ser creíbles, sean potentes e inolvidables. Para llevar a cabo una buena caracterización hay tres especialidades diferentes que deben funcionar en armonía: maquillaje, pelo y vestuario. Todo comunica.

En esta edición del #BlogCAM, aprenderemos sobre este tema junto a Carolina Lebrun y Catalina Uribe, integrantes de El Muñequero, un laboratorio de caracterización para medios audiovisuales que, desde hace seis años con su trabajo de formación y en múltiples producciones, ha fortalecido esta área en la ciudad.

El Muñequero hace parte del Centro Audiovisual Medellín en la membresía #VirtualCAM.

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Exhibición, otro pilar fundamental

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En promedio, anualmente se están produciendo 48 películas en nuestro país. Así mismo, comienzan a destacarse una variedad amplia de creadores con miradas únicas que cuentan historias para diferentes públicos. Además, aunque aún falta un largo camino, ha habido un avance sustancial a nivel de crecimiento técnico y comienza a gestarse una consciencia de la importancia de la especialización. Mejor dicho, el caldo de cultivo para una industria cinematográfica exitosa.

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Efectos visuales, mundos increíbles al alcance de la mano

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La tecnología, de la mano del fortalecimiento artístico y conceptual de los profesionales, nos ha dotado de herramientas para hacer posibles las ideas más ambiciosas y creativas en los proyectos audiovisuales. Los artistas de efectos visuales y de animación 3D continúan subiendo la apuesta cada día y cautivando audiencias alrededor del mundo.

Entre los integrantes del Centro Audiovisual Medellín, tenemos la fortuna de contar con Alejandro López y su empresa Vita Estudios de Animación, ganadora del León de Oro de Cannes a la Creatividad en la categoría Outdoors en 2013 y, además hizo parte de “En Busca del Aire”, película ganadora en la categoría Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Cartagena de Indias en 2015.

Más de diez años de experiencia en la realización de efectos visuales y animación 3D en diferentes proyectos y con diferentes marcas, lo convierten en una voz autorizada para hablar del tema.

Él es nuestro invitado en esta entrada del #BlogCAM.

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Joaquín, el colorista

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La especialización es uno de los caminos más directos al éxito de los proyectos audiovisuales de cualquier índole y, además, es la clave del crecimiento del sector. En las grandes industrias, cada etapa del proceso tiene un experto a cargo que cuida con su conocimiento cada detalle. Eso se ve reflejado en el resultado final de cualquier producto.

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“Todos tenemos un asesino adentro, lo que hacemos es pasar la vida conteniéndolo”

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Por: Federico Gómez

“Mi papá vivía en las afueras de Medellín y yo me subía con él en el Land Rover viejo que tenía. Esos treinta minutos entre salir de Medellín y llegar a la casa eran para mí los mejores de la vida, el momento de intimidad más grande entre él y yo”, recuerda la directora Laura Mora. “Para él todos los seres humanos eran iguales, era muy insistente en el hecho de que nadie elige donde nace. ¿Por qué vas a estar excluido o vas a tener un sello por nacer si eso es el azar? Esa horizontalidad era muy importante”.

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